Revisión de ‘Joan of Arc’: la oda lírica de Hlynur Pálmason al paisaje islandés

Dir/scr. Hlynur Pálmason. Islandia, Dinamarca, Francia. 2025. 62 min.

Hlynur Pálmason’s Joan de arco No debe confundirse con ninguna de las representaciones anteriores del cine de la Maid de Orleans, aunque Carl Theodor Dreyer, quien hizo la película definitiva de Joan en 1928, probablemente habría aprobado el minimalismo formalmente riguroso de esta película. La película no narrativa de Pálmason es una especie de barra lateral conceptual para el drama acquainted del director islandesa El amor que quedaque se estrenó en Cannes este año y es la entrada de Islandia para el mejor largometraje internacional de 2026 Oscar. Al igual que esa película, presenta a sus propios hijos y el muñeco de vida que usan como objetivo de tiro con arco; pero Joan de arco es esencialmente un retrato de tres niños en juego, un estudio de paisaje y una cogitación en el tiempo y los elementos.

Una sensación inspirada de ritmo

Estringido en la barra lateral Zabaltegi-Tabakalera de San Sebastian, reproduce el pageant junto El amor que queda y una exposición particular person de obras de arte de Pálmermas en el lugar de Tabakalera, pero funciona como una pieza independiente por derecho propio. En el mundo exterior parece más possible florecer como una pieza para mostrarse junto El amor que quedapero uno también puede imaginarlo prosperando como una proyección de la galería.

Pálmermason es conocido por sus características de ficción Hermanos de invierno, Un día blanco y blanco y su avance internacional, drama de época Godland (2022). Pero su trabajo a menudo contiene pasajes estilizados que representan el paso de las estaciones en su Islandia natal, y en este espíritu hizo los 22 minutos Nido (2022) Una representación de cámara fija de sus tres hijos construyendo una casa en el árbol.

Joan de arco Sigue en esa vena: su cámara está configurada en un tramo de orilla inicialmente visto en un invierno profundo, antes de que se descongelen fuertes nieve para revelar la Tierra marrón, luego exuberante hierba verde. A lo largo de la película, Pálmason muestra cómo los cambios extremos de la luz y la temperatura parecen transformar la forma actual de la tierra cuando se dispara desde la misma posición (el mar, cuando se congela, parece convertirse en una extensión de la costa misma).

Los dos hijos jóvenes de Pálmermas Grimur y los þorgils comienzan a cavar un agujero, tomándose un tiempo para pelliztar, gritar y a menudo el juego de caballos de aspecto áspero; Te preguntas si la cámara estaba rodando sin supervisión de adultos, o si Pálmermason estaba presente y simplemente eligió no evitar que se arrojaran trozos de tierra. Finalmente, se planta una rama larga y puntiaguda en el agujero, que se convierte en el apoyo de una figura humana que los niños construyen gradualmente con la ayuda de su hermana mayor, ída Mekkín Hlynsdóttir, ya familiarizado como una presencia animada en las películas anteriores de su padre.

La figura, que comienza a ser referida como ‘él’, antes de cambiar el género y finalmente ser denominado ‘Joan’, se convierte en el objetivo del trío en su exitosa pero alegremente bulliciosa práctica de tiro con arco. Y en todo momento, el clima cambia, a veces gradualmente, a veces en bombardeos rápidos de cortes, y es fácil perder el rastro de cuántos inviernos pasan.

Un par de ponis islandeses ingresan ocasionalmente al marco, y hay secuencias que los espectadores reconocerán de El amor que permanece – incluido uno en el que los tres niños especulan si sus padres todavía tienen relaciones sexuales; Un hermano cube que una vez los vio en el acto, y que parecían estar disfrutando. Este es un ejemplo interesante de cómo el mismo metraje puede cambiar el significado cuando se coloca en un contexto diferente: en el drama, los niños juegan la descendencia de una pareja ficticia, Magnus y Anna, mientras que aquí somos conscientes de ver a los hijos de Pálama discutiendo a sus padres reales. Es discutible, en ambos casos, cuánto del diálogo se escribe o se realizan pre-rehallan, pero de cualquier manera, es bastante estridente y liberada con expresiones inglesas entre los islandeses («¡Mírame, hermano!», «¡Hell Yeah Child!»).

La película termina con una floritura, en una extraña punzada visible. Es cuestionable si la imagen se sostiene de manera tan consistente y atractiva como los 20 minutos Nidopero se hace con la invención, una sensación inspirada de ritmo y orgullo de los padres manifiesto. La única música que se escucha, al principio y al remaining, es la versión electrónica de Isao Tomita de Debussy, un éxito en los años 70 bajo el título ‘Los copos de nieve están bailando’, y de hecho, los copos de nieve islandeses aquí vienen bailando y rápido.